Gunpei Yokoi fait partie des « Hommes de Nintendo »… A l’origine des Game & Watch, de la Game Boy, du Virtual Boy, mais aussi producteur, entre autre, de Super Mario Land, Metroid et Kid Icarus, il est également à l’origine de nombreux jouets créé par Nintendo comme l’Ultrahand.

C’est un tweet des éditions Pix’n Love qui m’a avertie qu’une exposition lui rendant hommage se déroulait actuellement à Harajuku, et, heureux hasard, il se trouve qu’aujourd’hui, après un passage par le parc de Yoyogi, j’avais prévu de faire une dernière balade dans le quartier…
Le local VACANT – n0idea n’est pas très difficile à trouver, et le plan fourni avec le flyer fonctionne à merveille… C’est en arrivant devant une petite bâtisse en retrait que j’en ai la confirmation : je suis arrivée à bon port.



L’entrée coûte 300 yens, que l’on débourse avec plaisir pour pouvoir découvrir de nombreux jouets, une collection impressionnante de Game & Watch, mais aussi quelques consoles en libre-jeu (oui, comme le libre-service, mais pour jouer quoi.). Si comme moi, vous avez lu l’Histoire de Nintendo, vous serez largement comblé de pouvoir enfin approcher en « vrai » les objets présentés tout au long des pages… Un vrai petit paradis !















L’exposition étant déjà très « photo friendly », je me suis permis de faire une petite vidéo…



Le corner goodies n’est pas en reste, avec de nombreuses cartouches de jeu que vous pouvez acquérir pour 300 yens, ou encore des Love Tester… On trouve aussi les deux tomes de l’Histoire de Nintendo.





Le reste du local est constitué d’un café et d’une exposition / vente de livres et de t-shirts d’artistes… Une adresse bien sympathique, où il est bon de passer du temps…



Gunpei Yokoi – VACANT n0idea
Jusqu’au 29 août 2010.
www.n0idea.com

Vous pouvez aussi voir toutes les photos sur FlickR.

Et si vous ne passez pas par le Japon dans les prochains jours, (et même si c’est le cas), vous pouvez commander la biographie de Gunpei Yokoi, aux éditions Pix’N Love.

 

Grisaille persistante sur Tokyo, mais surtout rhume bien installé !
Aujourd’hui, direction Akihabara et son Electronic Town, quartier réputé pour ses pièces détachées, mais aussi pour ses nombreux Maid Café et ses magasins de mangas.
Nous sommes Samedi, mais surtout, nous sommes le 31 juillet, jour du grand feu d’artifice sur la Sumidagawa, dont une rive est accessible à pied, à environ 400m du quartier où nous nous trouvons : inutile de vous dire qu’Akihabara est rempli d’une foule très compacte !

Pour nous rendre dans ce quartier, nous prenons la JR Chuô line à la station d’Ichigaya, dont le quai nous réserve d’ores et déjà une surprise :



A gauche, des pêcheurs.



Les quelques stations qui nous séparent d’Akihabara proposent le même genre de vue, et pendant une petite dizaine de minute, nous rêvassons donc à la fenêtre du métro en regardant la rivière qui courre à côté de nous.

Arrivées dans le quartier, nous tentons quelques magasins, bondés de monde. Tout de même, nous apercevons quelques Maids…



Nous quittons donc Chuô dori pour une petite rue parallèle, déjà plus calme, où nos tombons sur le building où se cache Super Potato. Super Potato, c’est le temple du Retro Gaming sur 3 étages, avec arcades, jeux, consoles, goodies, manuels, OST… Un véritable régal ! (Une vidéo est en cours de montage, et d’autres photos sont disponibles sur FlickR.)















Je n’ai bien sur pas résisté devant certains objets… J’ai tout de même tenté de concilier mon budget limité avec quelques petites choses qui me rappellent de vieux souvenirs…





Me sentant vraiment mal et ne profitant pas vraiment du quartier puisque ma principale activité se résumait à des crises d’éternuements et à un mouchage intempestif, nous sommes donc reparties au bout de quelques heures… Sur le quai de la JR à Akihabara, nous avons pu comprendre que les feux d’artifices sur la Sumidagawa allaient vraiment attirer du monde :



JR Chuô Line, en direction d’Asakusa

J’avais peur de ne pas réussir à visiter l’exposition avant mon départ pour Tokyo, mais c’est finalement chose faite ! Ce fut donc une matinée de retro-gaming très agréable, avec, tout de même quelques petites remarques à faire sur l’exposition…

Lorsque l’on franchit le seuil de MuseoGames, on découvre un univers peuplé de nombreux souvenirs, et il y a de quoi ravir tous les gamers, puisque de nombreux jeux sur différentes plateformes sont jouables. On retrouve d’ailleurs vite les réflexes que l’on avait il y a déjà longtemps, on se souvient des niveaux, des astuces pour les réussir… Le sentiment de nostalgie est très bien entretenu par l’exposition ! J’ai pu la visiter dès l’ouverture du musée, ce qui constitue un avantage majeur : quasiment toutes les consoles étaient disponibles sans attente, ce qui permettait de se plonger dans l’univers proposé, et de passer d’un jeu à l’autre sans attente, ce qui n’est pas négligeable quand l’exposition entend vous proposer « une histoire à rejouer », ponctuée de témoignages d’acteurs du jeu vidéo, que l’on peut regarder au calme, dans certains coins de l’exposition.
La scénographie créé vraiment un univers à part, qui mélange différentes époques, différents souvenirs : de grands écrans accrochés aux murs retransmettent en direct chaque partie de jeu, et c’est une expérience plutôt inédite de pouvoir observer à la fois Alex Kidd, REZ et GoldenEye 007 !
Avec cette exposition, le musée des Arts et Métiers et ses partenaires contribuent donc à faire du jeu vidéo un bien culturel, et à le faire entrer dans des lieux culturels, non pas en tant que référence ou matière première pour des artistes, des cinéastes, mais en tant qu’objet porteur de culture.

 


 
Pour une fan de jeux vidéo, ancienne des Beaux Arts et étudiant maintenant les métiers de l’exposition et les études culturelles (parfois, j’ai aussi une vie.), vous vous doutez bien que MuseoGames m’intéressait sur bien des points. Et, à mon sens, le principal reproche que l’on peut faire à cet événement se trouve au niveau de la médiation sensée entourer l’exposition.
Un bref passage à la billetterie déjà, où l’on entend une employée renseigner des parents : « Oh vous savez, il y a beaucoup de consoles, c’est surtout une exposition pour les enfants, c’est pour jouer »… On regrette un petit peu que l’exposition ne soit pas plus défendue lorsque l’on sort des aspects techniques et scientifiques. D’ailleurs, il y a un détail qui m’a beaucoup marquée : l’absence de livret de salle. Les cartels ponctuent la visite avec des informations précises, historiques, techniques, comme dans toute exposition, mais il manque ce petit objet « pour aller plus loin », que l’on peut emmener chez soi pour relire plus tard.
Je trouve qu’il manque cet aspect réflexif, qui permettrait au jeu vidéo, en plus de s’exposer, de questionner sur son statut et sur les représentations qu’ils véhiculent ou que l’on lui attribue. Je regrette vraiment cette absence, surtout qu’il n’existe pas de catalogue de l’exposition.
C’est d’autant plus frustrant que le site internet, à travers des interviews et des articles « points de vue », pourrait offrir une base plutôt riche pour un catalogue que l’on prendrait plaisir à feuilleter, et que l’on aurait pu rapidement considérer comme un ouvrage de référence.

 
Mais au final, c’est surtout la librairie qui m’a attristée.
Dans ma pratique des expos, la librairie fait partie intégrante de ma sortie : si l’exposition m’a donné envie d’en découvrir plus, je sais que j’y trouverais les ouvrages nécessaires, et que j’aurais le choix entre revues, ouvrages théoriques, catalogues… (soi dit en passant, je vous recommande vivement Bookstorming à côté de la Maison Rouge.).
A la sortie de MuseoGames, j’étais vraiment curieuse de découvrir ce qui allait m’être proposé, d’autant plus que Pix’n Love et les Inrocks faisaient partie des partenaires. J’ai été déçue par le peu d’ouvrages présentés : seulement deux ouvrages des éditions Pix’N love, un hors-série Joypad, et surtout beaucoup d’ouvrages autour des jeux vidéo dans la société, toujours traités sous le même angle.
Un coin réservé aux ouvrages pour enfants proposaient quelques BD Kid Paddle, mais aussi d’autres ouvrages, tous dans une sphère très psychologique, sur l’influence des jeux vidéo et la notion d’addiction. Je ne dis pas que ce débat ne devrait pas être posé, mais quand il devient la seule entrée pour la découverte d’une culture, quelle image peut on avoir de celle-ci ?

Je ne boude pas mon plaisir, j’ai passé un moment nostalgique très agréable, c’est une sortie entre amis que je conseillerais bien évidemment, mais je déplore tout de même ce manque de questionnement. Heureusement, le CNAM se rattrape avec quelques conférences qui auront lieu en Septembre, dont une autour de l’histoire de Nintendo avec Florent Gorges et Daniel Ichbiah, que j’aimerai ne pas rater (le 2 Septembre).

 
On peut également noter que MuseoGames a beaucoup parié sur l’aspect social du Web : Twitter, Facebook, Netvibes, mais aussi wallpapers, goodies, boutique de tshirts, de badges… Et c’est tout à leur honneur, à l’heure où l’on reproche à de nombreux lieux culturels d’ignorer, voire de mépriser la dimension numérique. Cependant, il me semble que cet aspect doit rester un complément d’une exposition, mais que la base reste tout de même la médiation en direction du public, à travers des visites, certes, mais également des supports écrits que l’on peut emporter ou acheter pour lire à tête reposée, et qui permet de ne pas se couper de tout un pan du public, encore peu familiarisé avec Internet, sans cet aspect, l’exposition demeure une sorte de vitrine, et c’est ce que je regrette, malgré le moment jouissif / nostalgique / régressif que j’ai pu passer.

 
Au final, MuseoGames offre un véritable paradis pour tout gamer nostalgique qui se respecte, il propose d’exposer le jeu vidéo, de le faire découvrir comme un bien culturel, mais également scientifique et technique, sans pour autant proposer une approche « nouvelle » à ceux qui découvrent à peine cette culture ou aux parents non-gamers, qui auraient pu les amener vers des questions, une approche et un débat différent. Le simple fait de déplacer le jeu vidéo vers le musée est déjà en soi un grand pas, mais peut être aurait-il été plus marquant s’il était mieux accompagné ? Je regrette un peu ce côté expérience « unique » très agréable qui ne nous offre pas les outils pour la prolonger au gré de nos envies et de nos découvertes.

 
MuseoGames, c’est une histoire à rejouer au Musée des Arts et Métiers, jusqu’au 7.11.2010.
http://www.museogames.com
2ème illustration, copyright Musée des Arts et Métiers.

 

Voilà un moment que j’ai envie de faire le point sur cette question.
Pendant mes études j’ai découvert que le jeu vidéo pouvait être un véritable objet d’étude, et après quelques discussions sur des forums, comme celui de Gameblog, je me rends compte que c’est un domaine assez peu connu.
Alors on pourrait évidemment parler des études sur le thème « le jeu vidéo rend-il violent ? », ou encore des études ultra-techniques sur la conception même des jeux, mais je vais essayer justement de vous éloigner un peu de ça pour vous montrer que le jeu vidéo, on peut l’étudier autrement : son gameplay, son game design, ses personnages, son scénario… Mais aussi l’histoire du jeu vidéo, son économie…
Bref, voici quelques éléments de réponses, la liste n’est pas exhaustive, surtout centrée sur des travaux francophones, mais cela peut déjà constituer une bonne base de lecture, ou au moins, une jolie foire aux liens à explorer.

Mes premières découvertes, ce sont des articles ou des chercheurs conseillés pour l’exposé que je faisais sur Resident Evil 5 :
Il y a donc Henry Jenkins, un chercheur du MIT (dont la barbe me fascine), qui a rédigé un article nommé « Game Design as Narrative Architecture ». Il a également écrit pas mal d’ouvrages qui, à ce jour, laisse ma bibliothèque rêveuse : « Fans, Bloggers, and Gamers: Media Consumers in a Digital Age », « Textual Poachers: Television Fans and Participatory Culture »…
D’ailleurs, si l’anglais de ne vous fait pas peur, je vous conseille vivement d’aller faire un tour sur son blog : http://www.henryjenkins.org.

 

Hello Henry !

Il y a également un article que j’aime beaucoup, de David Leonard, que j’ai déjà linké, et qui s’appelle Live in Your World, Play in Ours”: Race, Video Games, and Consuming the Other, il s’appuie essentiellement sur les jeux GTA III et NBA Street, et explore les notions de tourisme et d’ethnicité au sein des jeux vidéo.

Pour ravir les francophones : Sébastien Genvo, Game Designer de profession. Je vous laisse découvrir ses ouvrages si le coeur vous en dit, mais je me permet de vous orienter vers deux rubriques de son site, ludologique.com : premièrement une revue entièrement téléchargeable qui tente de répondre à la question : « Le jeu vidéo, un bien culturel ? ». Deuxièmement, des critiques de jeux en ligne et gratuit, rédigées par les étudiants de Sébastien Genvo.
Sébastien Genvo est Egalement membre de l’OMNSH. Mais c’est quoi l’OMNSH ?
C’est l’Observatoire des Mondes Numériques en Sciences Humaines.
L’observatoire a pour objet d’étude la technologie numérique, c’est-à-dire des environnements et outils technologiques reposant sur l’informatique et offrant une interactivité avec leurs utilisateurs et ce, tous supports techniques confondus, présents et à venir. Cette association a pour but de constituer une plate-forme d’information, de réflexion et d’échange entre la recherche universitaire, les professionnels, la presse et le public, tous quatre liés par cette technologie.
Is that clear ? Je vous laisse explorer le site et ses nombreuses ressources (Meuporg inside !).

Et justement, des membres de l’OMNSH, je n’ai pas fini de vous en citer…

Notamment Olivier Mauco, présent sur internet sous le pseudo GameinSociety (blog / twitter), récemment croisé en conférence à l’institut français de presse concernant le traitement médiatique du thème de la violence des jeux vidéos. Filez sur son blog, remplissez votre reader de GameinSociety sans attendre.

Il y a donc bien évidemment le livre d’Alexis Blanchet (blog), dont j’ai déjà parlé il y a quelques temps. « Des pixels à Hollywood », un ouvrage très agréable de 450 pages qui retrace l’histoire du jeu vidéo et celle du cinéma, en nous montrant leurs liaisons.
On peut retrouver l’auteur sur pas mal de supports (dont le magazine Amusement), ce qui m’amène à vous parler d’une autre revue… Intitulée Loading, la revue a consacré, en Avril, un numéro entier sur l’horreur vidéoludique « Thinking After Dark: Welcome to the World of Horror Video Games« , avec quelques articles en français qui risquent bien de vous plaire…

En parlant de revue, Poli – Politique de l’image s’était déjà penchée sur le jeu vidéo, intitulant le premier dossier de son tout premier numéro « Gaming Postcolonial », où l’on retrouvait Resident Evil 5, Call of Duty, Assassin’s Creed, analysés plutôt sous l’angle des cultural studies…

 
Du côté des blogs…
Il faudrait que j’actualise ma liste, mais généralement, j’aime bien faire un tour du côté de Border House, un blog anglophone qui traite de la question de genres et de ses différentes représentations dans les jeux vidéo, dans la même thématique, on peut retrouver également Lesbian Gamers, plus orienté actus, dont j’aime beaucoup le slogan : « Because sometimes, we use our hands for other things« …

Voilà donc un rapide aperçu,quelques liens, une brève présentation… J’en oublie des milliers, mais il faut tout de même rester digeste !
Je vous laisse tout de même avec un dernier lien : ludicine.ca, une base de données orientée jeu vidéo et cinéma.

 
Enjoy !

 

Pardonnez cette réflexion qui peut surprendre, mais après trois mois de travail sur des expositions « écolos », à rédiger des cartels à quatre main avec WWF, je finis par voir du panda partout.
Toujours est il qu’en rebranchant ma Wii après plus d’un an de réparation pour rejouer à Zelda Twilight Princess, je n’ai pas pu m’empêcher de remarquer que les animaux prenaient de plus en plus de place dans la saga Zelda.

Le contexte dans lequel se déroule les Zelda (villages, forêt, campagne), est déjà propice à la présence animale, d’ailleurs, on peut rapidement collectionner les abeilles, apercevoir des oiseaux, et en restant à distance, assister à une réunion des animaux de la forêt… Cependant, on peut noter une évolution au fil des opus.

 
Chicken run.
Cela débutait mal entre Link et les animaux : en jouant à A Link to the Past qui n’a jamais lancé une flèche sur une poule pour la voir caqueter d’indignation et partir en trottinant ? Qui n’a jamais propulsé une poule dans les airs, sans but précis, hum ? Je me rappelle encore mes premières heures de jeu quand j’avais loué Zelda au vidéo club, harceler les poules était devenu une grande passion.
Cependant, Link’s Awakening offre en 1993 une revanche terrible aux gallinacées : gare au joueur qui les moleste, nos amies à plumes possèdent un cocorico de ralliement qui permet d’assaillir Link quand il se fait un peu trop agressif, des ennemis particulièrement énervés contre lesquels on ne peut pas grand-chose… Et cela est également valable pour les autres animaux sensibles aux coups d’épée. D’ailleurs, l’édition de A Link To The Past sur Gameboy Advance reprendra ce principe, c’en est fini des poules molestées sans riposte ! Et avouez, un game over par cocotte, il y a plus héroïque.

 


 

Au fil des jeux, on voit apparaître d’autres animaux : notre fidèle Epona, bien évidemment, mais également un hibou, qui, tout au long de l’aventure nous guide et nous en apprend plus sur l’histoire d’Hyrule. (Un rôle qu’avait déjà partiellement notre ami Kiki, le singe de A Link To The Past, qui apporte une aide précieuse, bien qu’éphémère, dans le monde des ténèbres, élément que l’on retrouve sous la forme d’une guenon, une rose à l’oreille, dans Twilight Princess.).
Le volatile est d’ailleurs une constante dans la saga Zelda : la poule, le hibou… Mais également l’oiseau de A Link to The Past, qui répond au son de l’Ocarina pour servir de transport, ou encore l’aigle de Twilight Princess, plutôt utile pour récupérer des objets haut-placés.
Au delà du simple mini jeu (les grenouilles de Ocarina Of Time) ou de l’agrément, on remarque une première catégorie d’animaux que l’on pourrait nommer les « outils » : bien que le dialogue soit plus que restreint voire inexistant, chacun sert la quête de Link comme il peut, une poule fait ainsi un parfait deltaplane pour récupérer des bonus cachés en hauteur. Dans les « outils » se détache une catégorie que l’on pourrait appeler les « adjuvants » : Epona en premier lieu, les grenouilles de Phantom Hourglass, ou encore ce drôle d’oiseau-bonnet dans The Minish Cap, tour à tour conseiller, musicien, parachute, sans qui certains passage demeurent infranchissables.

 
le rebelle de la forêt.
Arrive donc Twilight Princess. Epona reste présente, disponible dès le début de l’aventure en sifflant avec une herbe. C’est d’ailleurs avec le même procédé (et une herbe différente), que l’on peut faire appel à un aigle, adieu Ocarina, Link est encore plus proche de la nature : il siffle à la brindille et se régénère dans les cours d’eau. Il possède même une canne à pêche qui nous permet de nous offrir quelques minutes de repos, le temps de collectionner les poissons.
La présence des animaux s’étend désormais à plusieurs domaines : les « outils » sont toujours présents, mais on voit apparaitre aussi des bêtes à classer dans le « contemplatif » (j’hésite à employer le terme mignon) : un chiot que l’on peut prendre dans ses bras juste pour le plaisir de voir Link câliner la bête, ou encore les chèvres du village, avec qui l’on peut jouer au berger, ou les caresser.
Cependant, le plus marquant, c’est l’apparition de l’animal en tant qu’acteur, puisque Link peut désormais se transformer en loup, et qu’une partie de la quête doit se résoudre sous cette forme.
D’ailleurs, grâce à cette transformation, la catégorie des adjuvants se remplit : en plus de l’aigle que l’on dirige en tant qu’humain, l’apparence du loup permet de dialoguer avec tous les animaux: chats, grenouilles, poules et écureuils délivrent alors des indices plus ou moins précieux pour l’évolution de la quête.

 
Voilà un premier aperçu, plutôt bestiaire qu’analyse, sans réelle conclusion, tout simplement car l’article évoluera surement une fois l’achat (enfin) effectué de Spirit Tracks, et quelques retour aux basiques de Game Boy…

Wait’n'See !

Chatroulette n’en fini plus d’être l’objet de projets en tout genre.
Cette fois, c’est un workshop sur les jeux vidéo et l’espace public qui s’y met…
Proposé par Aram Bartholl, le workshop « Point&Click » propose donc d’explorer l’espace public et les jeux d’aventure, type Point’n'Click.
Pour les photographies du workshop, c’est par ici.

Aram Bartholl est un artiste qui interroge sans cesse nos relations avec le monde dit « virtuel », ainsi qu’avec les réseaux sociaux.
Sans connaitre son nom, vous avez surement du voir son t-shirt « Are You Social ».

Pour terminer, je vous laisse sur un autre projet du même artiste : les lunettes FPS…

Comment passer de l’un à l’autre en reprenant les images du dernier ?
Il fallait être à la conférence d’Alexis Blanchet samedi dernier pour le comprendre !

A l’occasion de la sortie de son livre « Des Pixels à Hollywood », Alexis Blanchet, Chercheur en études cinématographiques à l’université Paris Ouest Nanterre La Défense, proposait une conférence samedi dernier, à la librairie Eyrolles, où il exposait quelques explications sur sa thèse de 450 pages.
Un amphi, une ambiance détendue, un power point, un quizz et des lots… L’ambiance hybride était très agréable, faisant rencontrer universitaires et fans de jeux vidéo, prouvant encore une fois à quel point le monde des jeux vidéo méritait d’être étudié, analysé, comme le font déjà en France, entre autre, Sébastien Genvo et Olivier Mauco.

Je reviendrai plus longuement sur le livre une fois qu’il aura été dévoré.
Pour l’instant, je vous laisse avec une vidéo très intéressante, présentée par Alexis, concernant une comparaison entre Buster Keaton et Super Mario, réalisée par Manuel Garin.

Lorsque j’ai écrit que j’allais recevoir Bayonetta, le dernier beat’em all de Platinium Games, afin de le tester, j’ai été étonnée de recevoir uniquement des commentaires (enthousiastes) féminins. Il faut dire que les affiches croisées dans le métro pouvaient laisser croire à un jeu illustrant parfaitement le male gaze décrit par Laura Mulvey.
Mais finalement, Bayonetta, est ce vraiment un amalgame de stéréotypes créés par et pour les hommes ? Et n’est ce que ça ?
La liste des « attributs » de Bayonetta est longue. Et pourtant, durant les 10h non stop de jeu, je ne me suis pas réellement sentie stigmatisée en tant que femme, la conclusion qui s’impose à moi est plutôt que Bayonetta est un jeu très jouissif, et délicieusement transgressif.


(Attention, certains spoilers sont utilisés pour cet article)


L’héroïne, dont le character designer (Mari Shimazaki), est une femme, semble pour l’instant faire cas unique. Des femmes dans les jeux vidéo, il y en a et il y en a eu (d’ailleurs, j’y reviendrai). Souvent magiciennes, plus rarement excellentes au combat, il semble qu’il n’y ait pas encore eu un personnage qui cumule le statut d’héroïne, de combattante hors-pair et de sex-symbol affirmé (Lara Croft, peut être ?), et semble déplacer ce genre de personnage du statut d’objet, vers le statut de sujet même du jeu…

Proche de la Magical Girl par ses transformations, faisant écho au Male Gaze et aux Pop-Idols sans vraiment s’y conformer, Bayonetta, à la manière d’une Final Girl (elle est ici la seule survivante de sa tribu), se pare d’armes souvent « masculine » (des sabres aux revolvers, en passant par une tronçonneuse gigantesque) pour perforer ses ennemis de toute part, et nous offre également deux courses épiques, où elle chevauche tour à tour une moto et un missile en enchainant les combos pour envoyer au tapis un maximum d’ennemi sans dévier de sa route…

Cependant, l’équipement de l’héroïne va bien au-delà d’un emprunt d’armes masculines, Bayonetta utilise avant tout son corps et son apparence comme une arme : revolver fixés aux talons (non sans rappeler le personnage de Rose McGowan dans Planète Terreur), chevelure polyvalente tour à tour combinaison, arme ou invocation, son personnage semble pousser au maximum tous les stéréotypes possibles pour les cristalliser en un seul personnage, ce qui, à mon sens, fait de ce dernier une performance plus qu’une personnalité. La performance est renforcée par l’ambiance du jeu, empruntant beaucoup au style gore, connu pour être lui aussi un genre surjoué et excessif : le sang gicle et les membres volent, les attaques sadiques et les apothéoses sont des shows, ce qui d’ailleurs renverse totalement le « sadisme» souvent de mise dans les slashers, ou dans certains jeux vidéo : ici, c’est l’héroïne, dont la combinaison rappelle déjà un certain penchant fetish / BDSM, qui dispose d’attaques sadiques impitoyables, contre des ennemis qui enchaînent les coups (quand ils le peuvent), sans avoir de combo particulier. Autre renversement : la nudité intervient lors d’attaques « apothéose » : ici, le joueur n’obtient pas un costume « sexy » en récompense de ses exploits, c’est l’héroïne qui l’utilise dans ses attaques, dans le but de tuer, elle me semble donc moins « soumise » à celui qui la contrôle. (Car oui, je trouve les costumes « trophées » dégradant.) Certes la nudité peu toujours être vue comme une récompense après avoir réussi des combos complexes, mais elle intervient avant tout pour éliminer l’ennemi… de manière plus qu’efficace.
Il est d’ailleurs dommage que les costumes déblocables soient aussi peu originaux et reprennent une cible très masculine, laissant de côté la dérision de mise jusqu’ici…

Attaques apothéoses

Les cinématiques du jeu ajoutent une dimension show-esque très importante, comme l’indique des scènes mémorables, telle la première confrontation avec Joy, ou encore la fin du jeu, véritable clip de pop-idol.




 

Parade, attaque sadique et photos de fin…

Bayonetta est dans la performance, la représentation : elle lance des regards à la caméra, cligne de l’œil en direction du joueur, et termine ses combats par une série de trois photographies immortalisant son dernier combo, souvent effectué dans un bain de sang (ou de membres, c’est au choix.).
Devil May Cry, du même Hideki Kamiya, avait déjà été considéré comme un jeu de poseur, et Bayonetta emprunte ce style pour le surpasser et fait de la pose un jeu à part entière, si ce n’est le principe même de ce jeu vidéo : les photographies lors des combats en sont déjà une preuve, de nombreuses cinématiques viennent s’y ajouter : les dialogues qui jalonnent les chapitres sont en réalité des séries d’arrêts sur image où les lèvres ne bougent pas, où les personnages posent en représentant une émotion, pouvant ainsi faire écho à d’autres formes tout aussi exagérées comme le manga, voire le roman photo.

La performance ne s’arrête pas aux combats, elle continue dans la totalité du jeu, et chaque détail semble avoir été pensé tel un accessoire, un maquillage supplémentaire du personnage : des papillons s’échappent de ses pas lorsqu’elle saute, les sucettes ont remplacé les trousses de secours, les cartes postales de fin sont accompagnées d’un baiser de rouge à lèvres…
Bayonetta se rapproche de l’esthétique Camp par ce goût des artifices, qui donne l’impression que son personnage et sa plastique ne sont pas une célébration ou une revendication d’une quelconque représentation féminine, mais plus une décoration, et c’est à mon sens ce qui permet au jeu d’assurer une certaine cohérence : il ne cherche pas à faire de Bayonetta un personnage de « femme accomplie », mais uniquement une performance, une identité à elle seule. Le scénario totalement incompréhensible est d’ailleurs un atout pour cette ambiance d’artifices, avec une histoire qui n’a ni queue ni tête, faisant des dialogues des jeux de pose sans véritable enjeu, autre que celui d’ancrer encore plus les personnages dans la représentation quasi théâtrale. D’ailleurs, l’intrigue se base pendant un long moment sur l’amnésie de l’héroïne qui ne sait pas qui elle est ni d’où elle vient. Une amnésie plutôt utile ici, puisqu’elle permet à Bayonetta de ne justifier son comportement que par le plaisir qu’elle prend à poutrer de l’archange, ce qui est assez intriguant, puisque le joueur peut facilement trouver son plaisir dans un jeu à travers la direction d’un personnage, mais ici, l’héroïne nous donne l’impression d’être celle qui apprécie le plus les combats, que le joueur la suive ou non.

L’image contrôlée et décorative que Bayonetta renvoie est également servie par une sexualité floue : malgré une surexposition de son corps, l’héroïne semble conserver des parts de silence : une attitude ambiguë autant envers Lukas qu’avec Jeanne sème le trouble, tout comme l’arrivée de Cereza, cette petite fille qui l’appelle « mummy », mais qui n’est finalement qu’un reflet d’elle-même, une Bayonetta miniature qui n’est en aucun cas le fruit d’une grossesse ou d’une quelconque relation, qui semble nous dire que son corps et son sexe ne sont que des armes.
Twist : Cereza s’avérera être le véritable nom de Bayonetta, qui nous aura servi une performance sous pseudonyme, nouvel artifice, pendant la totalité du jeu.

Autre remarque : Le premier trophée que l’on peut remporter ? « Je suis une s… Une sorcière ! » bien que l’on puisse trouver le langage sous-entendu problématique, je trouve qu’il est également intéressant de noter qu’ici, c’est le personnage lui-même qui se qualifie et s’amuse de son image, preuve d’une « conscience » de ce qu’elle renvoie, contrairement à la plupart des personnages féminins aux courbes évocatrices, qui, malgré l’évidence, n’évoquent jamais cette image : elles ne sont là que pour le regard du joueur, dans un schéma plus « voyeur » puisque le personnage reste coincé dans un corps qui n’est là que pour le plaisir du regard, au premier degré.

L’ambiance musicale n’est bien sur pas en reste, et chaque combat laisse place à une ambiance proche de la J-pop, qui semble assumer totalement cette dérision notamment provoquée par le décalage entre un combat ultra-violent et cette musique sucrée.
L’autre aspect soutenant la qualité du jeu reste évidemment le game-play, très fluide et très agréable, qui fait de Bayonetta un excellent jeu auquel on joue et rejoue, dans l’espoir de réaliser à chaque fois de nouveaux combos, plus puissants, plus étonnants, et surtout toujours plus démesurés… jusqu’à atteindre le mode apothéose.
Les décors sont eux aussi impressionnants : un mélange de steampunk et d’emprunts à diverses cultures de par le monde, qui ne fait qu’intensifier cette idée d’artifices et de décoration, bref, d’high-def rococo.

Bayonetta Battle Theme – Mysterious Destiny

Au final, je pense sincèrement que Bayonetta ne sert pas l’image de la femme, cependant, je n’ai pas vraiment l’impression qu’elle la dessert, car on ne tente pas d’imposer ce personnage comme modèle de « femme forte » : elle semble être ailleurs, et le mot « féminin » ne semble définitivement pas suffisant pour définir Bayonetta. Ces réflexions m’ont semblé faire écho avec les théories de Judith Butler sur le genre, et ses études autour de la performance drag-queen.
Bayonetta n’est surement pas exempte de reproches, et l’on pourrait en premier lieu argumenter sur le fait que cette performance prend comme point de départ un corps qui semble être celui de la « femme » idéale dans les JV : blanche, poitrine gonflée, minceur… Cependant, il m’a semblé que cette image était ensuite utilisée pour être quelque peu détournée…
Peut être ne suis-je qu’une fan supplémentaire de série Z abreuvée à la culture nippone, totalement tombée dans le piège de Bayonetta, mais dans ce cas, ce fut avec un plaisir non dissimulé…

Dernière remarque qui m’a parue intéressante de faire, j’ai beaucoup parlé du goût de Bayonetta pour le déguisement, et cela semble être largement prolongé dans la vie réelle, via la pratique du Cosplay

****

Retrouvez ma « liste de lecture » d’articles à propos de Bayonetta, sur mon Delicious.
High Def Rococo, expression empruntée à Tiff Chow
Notes on Camp, Susan Sontag
Un petit article de Delphine Valloire, sur l’esthétique Camp
Dessiner l’idole, Comité Central in Poli n°1
Pour la Final Girl : Men, Women and Chainsaw : gender in the Modern Horror Film, Carol Clover
Pour le Male Gaze : Visual Pleasure and Narrative Cinema, Laura Mulvey
Pour la performance de genre : Judith Butler, Trouble dans le genre et Défaire le genre.

Et merci à TopAchat.com pour m’avoir permis de tester ce jeu.